by 王府井一号
《王府井一号》是嘉德艺术中心的地理坐标，也是联结艺术爱好者的播客频道。这里有你所好奇的关于艺术的一切话题。
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1/1/2025
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April 18, 2025
<p>当代社会正掀起一股“走进博物馆”的热潮，人们热衷于在展厅中与文物“面对面”。但我们眼中的这些“艺术品”，真的还是它们原本的样子吗？它们从被创造、使用、遗弃，到被发掘、修复、展出，经历了多少误读、修补与再塑？今天的博物馆不再只是历史的陈列柜，而是一面镜子，映照出人类对自身文明的追问：我们如何与破碎的过去对话？在不断被数字化、被算法定义的时代，我们还能为未来留下什么有温度的痕迹？</p><p>我们邀请到北京大学艺术学院教授郑岩老师，带我们穿越时间的缝隙，重新思考：文物是什么？文物的“真实”从哪里来？本期播客是一次对“物”与“意义”的追问，也是一场关于文化记忆、信仰、科技与方法的深度对谈。</p><p><strong>本期嘉宾</strong></p><p>北京大学艺术学院教授郑岩</p><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FjM_u1K31eozi1XshoJRi_nZG3JF.png"/></figure><ul> <li><strong>互动惊喜</strong></li></ul><p><strong>在小宇宙评论区分享您对于本期话题的思考，我们将抽取幸运听众送出郑岩教授亲笔签名的《铁袈裟》4本。</strong></p><ul> <li><strong>活动预告｜郑岩老师策展“巫鸿的三本书”，带你漫游书展</strong></li></ul><p>4月23日至27日，第四届嘉德国际艺术图书展将在北京嘉德艺术中心一层、二层展厅举办。本届书展新推出的特别单元“巫鸿的三本书”，由嘉德文库和理想国联合策划，北京大学艺术学院的郑岩老师担任策展人。</p><p>这场展览聚焦巫鸿先生近年来完成的三部跨界之作——《豹迹：与记忆有关》《偶遇：在漫游中感知艺术》以及即将出版的《生动：在漫游中发现艺术》。从创作灵感、学术旅程到书房写作，展览将以手稿、实物、旅行照片等方式，把巫鸿的艺术漫游呈现在大家眼前。</p><p><br></p><ul> <li><strong>在第四届嘉德国际艺术图书展期间《王府井一号》将首次开展线下活动，特别推出“播客开放麦”主题互动活动，邀请听众走进播客的世界，体验录音、参与对话、打卡互动，让声音真正“发生”。扫描图中二维码参与活动报名</strong></li></ul><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FiVgHjcqY2_1t3zJ81iZ74zbG5pr.png"/></figure><p>——————</p><p><strong>内容导航</strong></p><p><strong>03:10文物的旅行，穿越时空的“变”与“不变”</strong></p><blockquote>这其实涉及到艺术品在古代与当今之间长时空的旅行。它们在几千年的时间里，穿越了不同的文化语境，这一过程中存在很多‘变’，也有很多‘不变’。这是我们做历史研究经常思考的问题。我们今天走进展厅，仍然会被那些六世纪、七世纪的造像深深打动，而这可能正是当年工匠创作时的意图。他们做出这些作品，是为了打动人，是为了寄托信仰，或者为父母超度，为自己祈福。那个时候的文化背景，是宗教的、有仪式性的，有供养人、有赞助人，在一个佛堂中有完整的宗教系统。</blockquote><blockquote>而今天，这些佛像脱离了原有的宗教空间，进入现代的公共博物馆，不再归属于某一个人或某一种信仰。观众面对它们，仍会被打动，但这种感动背后的意义已然不同。我们可能由此思考艺术的本质、文化的传承、历史的构建，而不再单纯产生宗教信仰的情感。这正体现出艺术品在时空旅行中的变化，也让我们意识到，‘变’与‘不变’之间，其实一直在共存。</blockquote><p><strong>07:46铁袈裟的前世今生</strong></p><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FvmBCtt29JA2K73KhJJqARvPNkJc.jpeg"/></figure><p><strong>12:39中国文化逻辑的认知突围</strong></p><blockquote>这本书其实是对我所从事专业的思考。当下历史写作强调连续性与完整结构，看似条理分明，实则是近代学科框架建构的结果。例如当今撰写中国美术史时，教材通常分为绘画史、雕塑史、建筑史、工艺美术史——这套结构并非源自中国文化内部，而是文艺复兴后拉丁语系中‘艺术’概念的衍生品，19世纪末传入中国后被视作普世标准。</blockquote><blockquote>这种欧洲中心论的系统贡献巨大：我们因此有了系统的雕塑史、建筑史研究。但它本质上仍是外来框架的移植——将中国材料填入西方分类体系，看似完整，却割裂了本土艺术的内在逻辑。中国传统文化中，艺术是琴棋书画的共生体，文人将其视为整体修为；而今日“棋”被归为体育，“琴”被划入音乐，传统关联性被消解。</blockquote><blockquote>因此，我在书中尝试以‘破碎’为隐喻，打破单一门类的叙事惯性。不是孤立讨论绘画或雕塑，而是回归历史原境：关注具体人物如何创作、破坏或重命名一件作品。这种微观视角并非否定既有框架，而是增加多元线索——既做现代学术研究，又尊重中国文化自身的逻辑。在21世纪，这种反思或许能让我们跳出既定体系，重建更贴近本土脉络的艺术史书写。</blockquote><p><strong>15:49考古 VS 美术史：文物的两个故事版本</strong></p><blockquote>其实我们今天所说的‘考古学家’或‘美术史家’，都是近现代学科分类发展出来的概念。追溯到17、18世纪，比如温克尔曼，他既是美术史家、也是考古学家、美学家——那时候的学者是百科全书式的人物，因为没有今天这种学科分工。</blockquote><blockquote>考古学与美术史本就是同源的，后来因为国家主义、民族认同的崛起，考古学开始关注更宏观的议题，比如一个文明、族群的起源与演进。在中国，田野考古从1921年仰韶文化的发现开始，一直参与着我们“我们从哪里来”的讨论。</blockquote><blockquote>相比之下，美术史更关注的是人类精神和物质创造中最精致、最有思想性的一部分。艺术品是一种独特的人类表达，它的不可复制性、特殊性和精神性，构成了美术史研究的核心。</blockquote><blockquote>如果说考古学研究的是普遍性，美术史更关注的是特殊性；一个是群体尺度的文明史，一个是个体创作的精神史。但两者并不对立，而是互为补充。理解特殊性离不开宏观背景，而研究大历史也不能忽略个体的独特经验。</blockquote><p><strong> 25:02怎么读懂博物馆里的文物？</strong></p><blockquote>文物不是天然就是艺术品，是我们今天把它们变成了艺术品。所有的展品从某种意义上讲都是历史的碎片。即便这件东西是一件完整的瓷器，它仍然是一个历史的碎片，它已经脱离了历史的语境。</blockquote><p><strong>33:38“原境”的建构与多元叙事</strong></p><p><strong>38:38文物修复原则与文化冲突：历史信仰与当代规范</strong></p><blockquote>‘修旧如旧’是当代文物保护领域普遍接受的一个原则。这一理念在法国大革命后逐渐形成，并被国际广泛采纳。它强调，在确保文物稳定性的前提下，应尽量少干预其‘发现时的样貌’。比如断臂维纳斯，并不会为了复原古典时代的完整性而去补上胳膊；如果补了，那就是现代的艺术创作了。背后其实是一种历史意识：我们不应随意添加或改变一件历史遗物的状态，因为它和我们不属于同一个时代。它代表的是另一段时间的痕迹，我们要尊重这种时间的距离感。</blockquote><blockquote>但在中国，这种理念常常遇到挑战。在四川或重庆，有些乡民出于善意对石窟造像进行‘修复’：给佛像添头、穿衣、贴金、上妆。这些看上去粗糙甚至恶俗的‘修补’，其实背后有他们自己的逻辑。在他们眼中，佛像是神圣的存在，残缺是一种遗憾。他们对佛像的情感是真实的，甚至晚上会因佛像缺一只胳膊而睡不着觉。他们的行为反映的，是一种延续至今的文化与信仰系统。</blockquote><blockquote>我们读过书、受过保护教育，声音更强大，常常以现代保护原则去否定这些行为，但也许应该反过来思考：乡民到底在想什么？他们的逻辑是什么？这其实体现的是一个活的信仰系统，而非纯粹的迷信。他们相信，这座神像是村庄的一部分，是文化与精神的寄托。他们想挣钱后给佛像‘装新’，表达的正是传统中的功德逻辑。例如孔庙从孔子逝世一年后开始被纪念，几乎每一代都曾重建。春秋、汉唐的建筑都已消失，我们今天所见的，多为明清遗构。这种‘拆旧建新以示尊崇’的文化观，与现代修复理念相冲突，但不该粗暴否定，而应认真研究、理解，并思考如何与现代系统对话。</blockquote><blockquote>一些文物和宗教场所由多个部门管理时更容易产生矛盾：文物系统强调保护不可改动，宗教系统则倾向贴金化妆，保持神像‘活着’的状态。在一个系统中它是历史，在另一个系统中它是现实。很多冲突正来源于此。</blockquote><p><strong>52:11当我们的历史藏进云端，未来如何考古今天？</strong></p><p><strong>57:17古人与今人的“共鸣”</strong></p><blockquote>我80年代学考古时，参与的发掘注重的是可见的‘物’：器物、骨头、瓷片，而‘填土’通常被视作无用之物直接被丢弃。但今天，哪怕是土壤也不再被忽视。研究者会取样，通过水洗浮选，在显微镜下观察植物种子，分析当时的生态系统。为什么我们现在提出这些问题？因为我们自己正处在生态危机中。我们今天对“古人的生活环境”的兴趣，恰恰反映了我们对当下生活环境的焦虑。</blockquote><blockquote>然而有些问题是永恒的。无论古代、现代还是未来，人类始终在追问一些根本性的命题，比如：灵魂与肉体的关系是什么？我们如何安顿自己的心灵？爱是如何表达的？焦虑从何而来？这些问题不会因为技术进步而消失。考古学不仅是一种获取过去物证的工具，更是理解人类本质的路径。我们今天研究古人如何表达爱与焦虑，未来的人也会研究我们。关心“人”本身，是所有时代的共同点。</blockquote><p>——————</p><p>互动方式</p><p>微信公众号：<a href="https://mp.weixin.qq.com/s/aH-qjl08Gsh1KLtw2oXCMA">嘉德通</a></p><p>小红书：<a href="https://www.xiaohongshu.com/user/profile/67565d6f000000001c01932e?xsec_token=YBvJ90V0iTBcra4P5gq82yapoR2h4l_lBLj0TL2KaJWNQ=&xsec_source=app_share&xhsshare=CopyLink&appuid=56bd2e2182ec3947c16647f3&apptime=1735733879&share_id=24859f6371c24a90862c85c3c32f005c">王府井一号</a></p><p>微博：<a href="https://weibo.com/u/7966509458">王府井一号播客</a></p><p>加入王府井一号听友群添加小助手微信号：Guardian_in_one_</p><p>——————</p><p>出品方：嘉德艺术中心</p><p>出品人：寇勤</p><p>制作人：蒲宇</p><p>编辑主持：孟庆馨</p><p>策划：王卓然</p><p>后期剪辑：魏康宁</p><p>音乐制作：system[Σ]</p><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FlZPeS-A5xbBijUVrFQjr8G_5oHd.png"/></figure>
March 31, 2025
<p>在西方艺术史中，19世纪是一个充满挑战、实验和发现的时代，也是西方艺术从古典世界走向现代主义的转折期，艺术的内容和形式都发生了很大变化。从古希腊古罗马起源、经过中世纪、到文艺复兴迅速发展的西方古典造型艺术传统，如何在19世纪走向成熟？学院派、拉斐尔前派、印象派、新古典主义、浪漫主义、现实主义这些精彩纷呈的艺术流派和艺术运动又是怎么汇集在这个神奇的时间段？</p><p>同一时间，科技变革前所未有地改变了艺术创作的方式，拓展了艺术家的视野，也让艺术与科技的关系开始成为一个被持续探讨的话题。科技如何影响艺术？艺术是不断进步的吗？科技是否会遮蔽人类自身的真正力量？艺术有所为有所不为的边界在哪？这期节目邀请嘉宾清华大学美术学院艺术史论系的张敢教授，将以科技的发展为线索，为大家解读19世纪的西方艺术。</p><p><strong>关于“王府井一号”</strong></p><p>是嘉德艺术中心的地理坐标，也是联结艺术爱好者的播客频道。这里有你所好奇的关于艺术的一切话题。</p><p><strong>本期嘉宾</strong></p><p>张敢：清华大学美术学院艺术史论系教授</p><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FmlzbF-GyAIvf8INmekJXioAAF6R.png"/></figure><p><strong>互动惊喜！</strong></p><p><strong>在小宇宙评论区分享您对于本期话题的思考，我们将抽取幸运听众送出嘉德国际艺术图书展门票。</strong></p><p><strong>内容导航</strong></p><p><strong>02:13照相机终究不及画笔和颜料，艺术家可以表现天堂和地狱</strong></p><blockquote>在爱德华·蒙克（Edvard Munch）的作品里面其实我们看不到摄影的影响，但是他突然冒出很精彩的一句话：“照相机终究不及画笔和颜料，因为后者可以表现地狱和天堂。”照相机还是受对象的限制，你想拍天堂，你得上天堂；拍地狱，你得下地狱。但在一幅画布面前，艺术家用油彩和画笔就可以表现心目中的天堂，表现体会到的那种地狱般的灾难。艺术是靠想象来完成的，它跟人的情感密切相关，表现人内在的情感和感受。</blockquote><p><strong>06:35艺术没有进步，艺术史不是艺术的进步史</strong></p><blockquote>艺术没有进步这个概念，它只是变化。艺术史不是艺术的进步史，而是一个变化发展史。进步代表着现在要胜于过去，我们很难说今天的一个画家画了一幅山水，他就超越了马远、范宽。但是当代的山水表现了当代人的这个对世界的理解和思考。人性没有进步，但是每一个时代的人有他们对这个世界的看法和理解。</blockquote><p><strong>08:03从古希腊古罗马、文艺复兴到新古典主义的一路继承的人物造型传统</strong></p><blockquote>古希腊古风风格时期的雕塑受到埃及影响，人物垂直站立，双手垂在两侧，缺乏动感。从古风过渡到古典时期，人体雕塑一条腿支撑身体重量，另一条腿自由站立，身体扭转略呈S型，形成一种对立平衡和运动感，波利克利特斯（Polykleitos）发展出一种七头身的完美的人体比例关系。古典盛期以后，普拉克西特列斯（Praxiteles）将人体比例延伸到八头身，比真实的人更完美，由此确立古希腊造型艺术的典范。古罗马在雕塑方面完全借鉴古希腊体系，今天大量的希腊雕塑都是古罗马人的复制品。中世纪基督教神学兴起，传统的造型体系被有意识地抑制，却没有完全中断。文艺复兴时期的绘画受雕塑影响，很多人物画的动态延续了古希腊传统，逐渐形成一套自己的语汇。巴洛克时期更强调戏剧性，但古典姿态仍被保留下来。新古典主义将古希腊罗马艺术再度复兴，它在人物造型上遵循对古希腊罗马的传统人体比例，但是在绘画的技法上更强调素描，形体扎实，但不是特别重视色彩。</blockquote><blockquote><strong>波利克利特斯（Polykleitos）</strong>古希腊著名雕塑家和艺术家，约活动于公元前5世纪末期。他与雅典的菲迪亚斯、米隆和普拉克西特里斯并称为古典时期最重要的雕塑家之一，艺术成就主要体现在他理想化男性身体形状的数学基础的研究上，著有论述人体比例的《法则》一书，提出身长与头部的标准比例是7∶1。代表作《荷矛者》（《执矛者》）、《受伤的亚马逊人》。</blockquote><blockquote><strong>普拉克西特列斯（Praxiteles）</strong>古希腊古典后期杰出的雕塑家，主要创作年代为公元前370－公元前330年。善于把神话中传说的人物纳入平凡的日常生活中加以描写，风格柔和细腻，充满抒情感，确立了公元前四世纪希腊雕塑的艺术特征，代表作品有《牧羊神》、《赫耳墨斯和小酒神》、《尼多斯的阿芙洛蒂忒》等。</blockquote><p><strong>19:20浪漫主义注重文学表达，现实主义将目光投向现实世界</strong></p><blockquote>浪漫主义注重文学表达，画野性未驯的大自然，表现激情和生命本真的状态。随着中产阶级的兴起，宗教或战争题材的作品失去了吸引力，风景、静物和肖像这些关注现实的题材慢慢兴起，现实主义将目光投向现实世界。</blockquote><p><strong>24:02现实主义将目光投向现实世界</strong></p><blockquote>浪漫主义注重文学表达，画野性未驯的大自然，表现激情和生命本真的状态。随着中产阶级的兴起，宗教或战争题材的作品失去了吸引力，风景、静物和肖像这些关注现实的题材慢慢兴起，现实主义将目光投向现实世界。</blockquote><p><strong>28:05约翰·罗斯金与惠斯勒的官司，批评家不再左右大众的艺术趣味</strong></p><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FsHDz-wjKWACtFu1raScxxdGPDSX.jpeg"/></figure><p>詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒（James McNeill Whistler），《黑色与金色的夜曲:散落的焰火》</p><p><strong>32:351863年“落选者沙龙”举办，独立于官方体系之外的法国先锋派诞生</strong></p><p><strong>34:13光学、蒸汽机车、巴黎城市改造、弗洛依德和相对论是如何影响了印象派和20世纪初的现代主义艺术</strong></p><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FqemkSC1TK8AKi7llmXkPy1tUEsj.jpg"/></figure><p>莫奈 《圣拉扎尔火车站》</p><p><strong>41:10“世纪末”与美好时代并存的19世纪末：乐观主义者发明飞机，悲观主义者发明了降落伞</strong></p><blockquote>威廉•莫里斯：真正的艺术对于创造者和使用者来说都是一种乐趣。英国经济学家E.F.舒马赫：如果不知道热力学第二定律，你什么也没错过；但是如果你不知道莎士比亚，那你错过了整个人生，因为莎士比亚的戏剧里，包含了人类所有的悲惨苦难。当技术和机器成为人的主宰，回头再看卓别林演的《摩登时代》，我们像过去一样，大学毕业，然后分到一个格子间里面，在这儿去编程，干的跟那拧螺丝的活儿差不多，只不过现在拧的不是螺丝了。</blockquote><p><strong>51:57没有当代艺术，只有当代的艺术：观念性不是艺术的特点，形式语言才是核心底线</strong></p><p><strong>56:46从作为科学家的艺术家到作为艺术季家的科学家：艺术家最核心的依然是独特的审美创造力</strong></p><p><strong>60:35艺术有所为和有所不为的边界：艺术为人类创造美的作品就行了，不要放大它</strong></p><blockquote>艺术家不要以为自己可以像上帝一样，艺术家也没有权利以审美的能力去随便创造一个新的物种。</blockquote><blockquote>科技发展像一辆高速奔驰的列车，我们必须登上这个列车，但它的终点是哪？我们并不清楚。谁来踩一脚刹车？艺术家可以去思考这个问题。</blockquote><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FmKBEkymsrMaVb9LTnz8npuYlYGc.jpeg"/></figure><p>爱德华多·卡茨（Eduardo Kac），《绿色荧光蛋白兔》（GFP Bunny）</p><p><strong>65:45读书和看展览是提升审美判断力的最好方式</strong></p><p>——————</p><p>图片来源于网络</p><p>——————</p><p>互动方式</p><p>微信公众号：<a href="https://mp.weixin.qq.com/s/aH-qjl08Gsh1KLtw2oXCMA">嘉德通</a></p><p>小红书：<a href="https://www.xiaohongshu.com/user/profile/67565d6f000000001c01932e?xsec_token=YBvJ90V0iTBcra4P5gq82yapoR2h4l_lBLj0TL2KaJWNQ=&xsec_source=app_share&xhsshare=CopyLink&appuid=56bd2e2182ec3947c16647f3&apptime=1735733879&share_id=24859f6371c24a90862c85c3c32f005c">王府井一号</a></p><p>微博：<a href="https://weibo.com/u/7966509458">王府井一号播客</a></p><p>加入王府井一号听友群添加小助手微信号：Guardian_in_one_</p><p>——————</p><p>出品方：嘉德艺术中心</p><p>出品人：寇勤</p><p>制作人：蒲宇</p><p>编辑主持：张爽</p><p>策划：王卓然、孟庆馨</p><p>后期剪辑：魏康宁</p><p>音乐制作：system[Σ]</p><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FqRfhTOBKApcg5uONg6jgW8eAzp3.png"/></figure>
March 6, 2025
<p>近年来，走进美术馆与博物馆已成为许多人的生活方式，“周末看展”成为都市人的新日常仪式。在这个信息流动加速的时代，展览不再只是悬挂作品的白盒子，它成为观众解码历史、碰撞观点、重构自我与当下对话的场域，塑造着城市、社区与艺术之间的精神论坛。本期播客，我们邀请到了X美术馆馆长、策展人尤洋老师，与我们共同探讨——看展，我们究竟在看什么？ 从一场展览的“观看史”切入，我们回溯展览的演变轨迹，从古希腊神庙的狂欢派对，到当下全球兴起的“看展热”，在展览边界不断拓展的过程中，艺术机构如何在学术研究、市场运作与公共性之间寻求平衡？</p><p><strong>关于“王府井一号”</strong></p><p>是嘉德艺术中心的地理坐标，也是联结艺术爱好者的播客频道。这里有你所好奇的关于艺术的一切话题。</p><p><strong>本期嘉宾</strong></p><p>尤洋：X美术馆馆长，策展人</p><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FqfyZowmuZCT8QMBmqBpw-Ppiblw.png"/></figure><p><strong>互动惊喜</strong></p><p><strong>在小宇宙评论区分享您对于本期话题的思考，您有怎样不一样的看展经历呢？我们将抽取幸运听众送出嘉德国际艺术图书展门票。</strong></p><p><strong>内容导航</strong></p><p><strong>02:47艺术精英与普世的“双重性”</strong></p><p>04:54<strong>从静态呈现到动态的共创</strong></p><blockquote>在当今的后工业时代，文化产业蓬勃发展，人们的需求已不再是固定的节点，而是一个持续的过程。过去，参观美术馆可能只是为了获取一段艺术史知识，而如今，观众在获取信息后，会进一步转化、再生产，使其成为新的内容。艺术、展览与美术馆的关系也因此发生了变化，它们不再只是静态的展示，而是与观众共同构建动态的体验。展览的意义已超越了单纯的结果导向，而成为一个持续互动的过程。</blockquote><p>07:30<strong>打卡式看展：文化觉醒还是流量营销？</strong></p><blockquote>关键不在于是否吸引流量，而在于流量之后留下了什么。</blockquote><blockquote>展览自诞生以来就兼具娱乐性和传播性，无论是17世纪的画展、教堂艺术，还是今天的网红展，展览始终在通过空间设计和感官体验吸引观众，激发共鸣，并依赖口碑传播，增强其影响力，这一逻辑从未改变。</blockquote><p>10:28<strong>谁在定义展览？历史回响</strong></p><p>17:30<strong>展览的“观看史”古希腊缪斯神庙的狂欢如何孕育现代美术馆的基因</strong></p><blockquote>帕特农神庙是古希腊最著名的建筑之一，位于雅典卫城，建于公元前447年至前438年，是雅典黄金时代的象征，帕特农神庙是古典希腊时期的代表。这座神庙供奉的是雅典的守护神雅典娜，展现了古希腊建筑的卓越成就。帕特农神庙不仅是宗教祭祀中心，同时也是政治权力和城邦文化的象征。虽然历史上曾遭遇战争和破坏，但其遗迹至今仍是西方建筑美学和民主精神的重要象征，吸引着世界各地的学者和游客。</blockquote><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/Fk8inQ2EN9f58h8N01vzf3wlmXZV.jpg"/></figure><blockquote>缪斯神庙最早源自古希腊，“缪斯”对应的是掌管艺术、科学和文学的九位文艺女神。这一概念在公元前三世纪的埃及托勒密王朝得到了进一步发展，最著名的缪斯神庙即亚历山大学宫，其核心部分是亚历山大图书馆。这个机构不仅收藏了大量的古代文献，还吸引了来自希腊化世界的学者、科学家、哲学家前来研究，被视为当时的知识中心。与传统宗教神庙不同，缪斯神庙更多体现的是学术、文化与知识的崇拜，在某种意义上，它是现代博物馆和研究机构的前身，奠定了后世学术机构的基础。</blockquote><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FukKvcmOC5mn10zdllhqMLvTpfxK.jpg"/></figure><blockquote>石渠阁，始建于西汉，公元前2世纪，是中国历史上著名的皇家藏书机构之一，位于长安未央宫内。它最初由汉宣帝设立，主要用于收藏重要的典籍、官方文书，并成为学者们整理、校勘经典的场所。因其地位崇高，石渠阁的书籍被认为是国家正统文化的重要载体。</blockquote><p>28:40<strong>博物馆公共性空间，谁在定义艺术的边界？</strong></p><blockquote>水晶宫是1851年英国伦敦第一届世界博览会的标志性展馆，由建筑师约瑟夫·帕克斯顿设计，以玻璃与钢铁结构闻名，被视为工业革命技术成就的象征。展会结束后，水晶宫被迁至伦敦西德纳姆，继续作为展览和文化活动中心，并试图通过售票获利，直至1936年因大火焚毁。其模块化预制设计、透明采光理念对现代建筑和展览空间的发展产生了深远影响，也奠定了世界博览会作为全球文化与科技交流平台的基础。</blockquote><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FpRWWQOxfUv4C58HmhzUzA12QP8C.jpg"/></figure><blockquote>中国最早的大型博览会是1910年在南京举办的“南洋劝业会”，由清政府主办，旨在借鉴西方世界博览会模式，展示当时中国的经济、工艺与文化成果，同时促进国际贸易和经济交流。值得注意的是，这次博览会中还特别设立了中国历史上第一个以“美术馆”命名的展馆，虽然其性质更接近于包括传统美术与工艺美术品的展销场所，但它标志着“美术馆”概念在中国的正式出现。</blockquote><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/Fg3Qp3FQEWgL0pMXRssZWKT7WEdi.jpg"/></figure><p>34:50<strong>美术馆与城市的共生</strong></p><blockquote>泰特现代美术馆的涡轮大厅是世界上最具影响力的当代艺术展示空间之一。其大规模的艺术装置项目吸引了全球观众的关注，其中最具代表性的展览之一便是奥拉维尔·埃利亚松于2003年创作的《天气计划》。在这个项目中，埃利亚松利用巨大的单色灯光装置模拟了一轮虚幻的太阳，暖黄色的光线充满整个大厅，并通过雾气和反射镜营造出沉浸式的氛围，使观众仿佛置身于一个超现实的日落之中。这件作品不仅打破了传统展览的观看方式，还鼓励观众通过身体体验与空间互动，许多参观者甚至席地而坐，沉浸在这片光影之中。</blockquote><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FjsvxVNGycd56snGhGVuBrUoJshn.jpeg"/></figure><p>40:10<strong>未来展览的可能性</strong></p><p>45:25<strong>摆脱标签，激发个体思考与表达</strong></p><blockquote>在当代社会，人往往被简化为扁平的标签，这是社会分工带来的结果，同时也是商品化逻辑的体现。算法通过精准匹配，使人不断重复自身的社会角色，最终走向异化。而艺术空间的价值，恰恰在于打破这种单一化的框架，让人在被标准化、标签化的日常中重新获得立体的存在感——成为哲学意义上的“大写的人”。在这样的前提下，美术馆不仅是展示艺术的场所，更是激发个体思考与表达的平台。观众可以在这里畅想，不必被动接受策展人的视角，而是以自己的方式解读展览，甚至批判展览。他们可以在社交媒体上表达自己的见解，探讨策展逻辑是否合理，甚至构想如果自己策划展览，会如何呈现不同的叙事方式。这种开放性的讨论，正是艺术空间赋予公众最有意义的功能。</blockquote><p>48:56<strong>回应当下，策展人的“叛逆实验”</strong></p><p>57:44<strong>当美术馆成为城市精神地标，展览如何重构我们的文化感知？</strong></p><blockquote>过去我们常说“世界是一个村”，甚至有人发明世界语，强调全球一体化。但如今，越来越多人开始追问自身的文化身份。尽管我们都吃麦当劳，但它也在不断本土化，这种现象反映了当代文化的适应性与地域差异。今天无论从艺术创作还是从这个观看艺术这种双向的角度，前提是我们需要了解自身文化的根源。</blockquote><p>——————</p><p>图片来源于网络</p><p>——————</p><p><strong>互动方式</strong></p><p>微信公众号：<a href="https://mp.weixin.qq.com/s/aH-qjl08Gsh1KLtw2oXCMA">嘉德通</a></p><p>小红书：<a href="https://www.xiaohongshu.com/user/profile/67565d6f000000001c01932e?xsec_token=YBvJ90V0iTBcra4P5gq82yapoR2h4l_lBLj0TL2KaJWNQ=&xsec_source=app_share&xhsshare=CopyLink&appuid=56bd2e2182ec3947c16647f3&apptime=1735733879&share_id=24859f6371c24a90862c85c3c32f005c">王府井一号</a></p><p>微博：<a href="https://weibo.com/u/7966509458">王府井一号播客</a></p><p>加入王府井一号听友群添加小助手微信号：Guardian_in_one_</p><p>——————</p><p>出品方：嘉德艺术中心</p><p>出品人：寇勤</p><p>制作人：蒲宇</p><p>编辑主持：孟庆馨</p><p>策划：王卓然、张爽</p><p>后期剪辑：魏康宁</p><p>音乐制作：system[Σ]</p><figure><img src="https://image.xyzcdn.net/FonWo9xneBsWXmncgk20q4XO3YDR.png"/></figure>
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